El Festival de Cine Europeo de Sevilla en diez películas

El Festival de Cine Europeo de Sevilla es uno de los mejores escaparates en España para ver y disfrutar las últimas tendencias del Séptimo Arte en el Viejo Continente. Con permiso del de San Sebastián (único festival de clase A en nuestro país), el de Sevilla cuenta con la mayoría de los grandes estrenos europeos que compiten por los grandes premios internacionales. En la anterior edición, por ejemplo, destacaron películas como Para Chiara (Jonas Carpignano) o La peor persona del mundo (Joachim Trier), uno de los grandes títulos del panorama internacional en el último año.

¡Qué #SEFF el de 2022! 🤩

Después de diez intensos días del mejor cine de autor europeo y de salas llenas, compartimos este resumen de los muchos momentos vividos junto a vosotros, nuestro público.

¡Muchas gracias! 👏👏👏

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— Festival Sevilla (@festivalsevilla) November 16, 2022

Del 4 al 12 de noviembre, la ciudad hispalense y su particular festival de cine de multisala ha acogido la proyección de más de 200 películas, de las cuales hemos seleccionado una decena (más allá de la ganadora, Saint Omer), que marcarán la cartelera de los próximos meses.

Close (25 de noviembre)

Close llega a España después de llevarse el Gran Premio del Jurado en Cannes, galardón que ha repetido en Sevilla, además del reconocimiento a Mejor actor para Eden Dambrine. Un drama que retrata con sutilidad y contención la amistad, el fin de la inocencia, el duelo en la preadolescencia y el peso de la culpa y la soledad. El film de Lukas Dhont mantiene su originalidad y perspicacia evitando caer en tópicos que podrían diluir la historia y esquivando asuntos más generales como la sexualidad en los niños o el impacto del bullying.

Gran parte del éxito de esta película se debe a la actuación de su protagonista. El joven Léo (Dambrine) explora un abanico de expresividad realmente admirable gracias a la profundidad de su mirada, sin exagerar en el gesto, siendo capaz de transmitir sin apenas el uso de palabras. La intimidad y ternura que consigue Dhont en Close es trágica y sanadora, llegando a emocionar sin sentimentalismos, como un viento reparador que encoge el corazón para permitirle respirar mejor después.

Les amandiers (16 de noviembre)

El miedo a desaprovechar la juventud, la efervescencia emocional de la adolescencia y la presión de la excelencia. Valeria Bruni Tedeschi hace de Les amandiers (Forever Young en su título internacional), un retrato coral que explora el funcionamiento de las escuelas de teatro. A pesar de que la historia principal centrada en la atormentada relación de amor intenso y maldito de Stella (Nadie Tereszkiewicz) y Etienne (Sofiane Bennacer), puede ser algo superficial y estereotipada; la riqueza que ofrece el conjunto de personajes (destacando el papel de Louis Garrel como director) resulta tan estimulante como atractiva.

Además, esta película tiene un valor documental y estético al mismo tiempo, gracias a su capacidad para mostrar los procesos y el trabajo emocional de este grupo de actores veinteañeros, con el ritmo vertiginoso y apasionado de la juventud libertina tuvo que lidiar en los 80 con asuntos tan serios como el sida o la heroína.

Vera (aún sin fecha de distribución en España)

Entre la ficción y el documental camina esta película dirigida por Tizza Covi y Rainer Frimmel, que obtuvo el Premio a la Mejor Actriz y a los Mejores Directores en la sección Orizzonti en Venecia. Su protagonista, Vera Gemma, es real, su historia también, pero la trama es solo una muestra más de cómo su vida ha estado siempre condenada a la tragedia. La hija de Giuliano Gemma (mítica estrella del spaghetti western) pasea por las calles de Roma su melena platino siempre cubierta por llamativos sombreros, vestida con coloridos modelitos de cowboy, obsesionada con una belleza artificial, de la que sus numerosas operaciones estéticas son testigos.

La vida de película de Vera parece estar condenada a repetirse una y otra vez, por la imposibilidad de recibir afecto real en un mundo ficticio, por no ser otra cosa que la hija de, por elegir mal a quien entregar su cariño... Cansada de esta deriva, trata de acercarse a la vida real buscando algo de verdad, pero por mucho que se esfuerce, su realidad no es tan fácil de cambiar.

Tori y Lokita (11 de noviembre)

Los hermanos Dardenne (Rosetta, El niño) son expertos en usar el cine como herramienta de denuncia social poniendo el foco en los oprimidos. Tori y Lokita son dos inmigrantes que se conocen durante su viaje de África a Europa, ambos fingen ser hermanos y cuidan el uno del otro como si realmente lo fueran. Mientras el sistema se vuelve un muro burocrático que cierra los ojos ante un problema sin salida, la única esperanza se encuentra en la hermandad de sus protagonistas.

La película que les valió a los Dardenne el premio especial del 75 aniversario del festival de Cannes, muestra con crudeza y realismo esta esclavitud contemporánea que quieren ignorar las autoridades y de las que se aprovechan las mafias. Esta oscuridad silenciosa y deshumanizada a la que se somete a Tori y Lokita, contrasta con la luz que profesan su cariño mutuo basado en una fraternidad más pura que la de la propia sangre.

The Eternal Daughter (2 de diciembre)

Joanna Hogg (The Souvenir) rodó en secreto durante el confinamiento, en Gales, este misterioso cuento gótico psicológico, producido por Martin Scorsese, en el que Tilda Swinton se desdobla interpretando a una madre y a su hija. Una cineasta lleva a su madre a un hotel repleto de recuerdos de niñez, donde los fantasmas del pasado se alojan para recordar una compleja relación familiar y el camino de búsqueda de sí misma de una mujer.

Una película de fantasmas diferente en la que la directora engaña al espectador, obligándole a rellenar el puzle por sí solo. The Eternal Daughter bebe directamente de Hitchcock y Vértigo, o algunas más recientes como Los otros de Amenábar (aunque en este caso son ellos). El film juega con la tensión constante de ver dónde está la trampa, donde Tilda Swinton es capaz de aguantar con maestría el peso actoral de la cinta.

Aftersun (16 de diciembre)

Aftersun, la ópera prima de Charlotte Wells, es una película construida a través de los recuerdos, como si se extrajera una historia a través de los detalles que quedaron grabados en la indefinición de la memoria, creando un film marcado por una intimidad inocente y melancólica. La protagonista, Sophie (Frankie Corio), de 11 años, se va de vacaciones a Turquía con su padre (Paul Mescal), a uno de esos resorts en los que los británicos disfrutan de ir a lugares paradisiacos pero sin salir de su burbuja cultural.

Mejor Película de la sección Las Nuevas Olas en el Festival de Sevilla, la película muestra esta relación de recuerdos como una especie de reconciliación paterno-filial, un regreso a esa época en la que la protagonista empieza a fijarse más los adultos que en sus iguales. A lo largo de toda la película, Sophie baila sobre esa línea que transforma la admiración incontestable de una hija con su padre, cuando aparecen los claroscuros que lo humanizan. Charlotte Wells trata este proceso con la delicadeza y el mimo de quien crea a partir de la nostalgia, construyendo un relato en el que la tensión emocional crece a medida que la relación de complicidad entre Sophie y su padre se amplía.

Blue Jean (próximamente en Filmin)

Durante el mandato de Margaret Thatcher, se promulgó la polémica Sección 28, (apenas derogada en 2003), una ley claramente homófoba que prohibía "promover la homosexualidad". En el Manchester de los 80’s una profesora de instituto vive en un estado de perpetua tensión al no poder mostrar su verdadera identidad. El primer largometraje de Georgia Oakley pone el foco sobre aquellas personas anónimas que han sufrido el drama de la discriminación social y persecutoria de la homosexualidad.

En este contexto, Jean (Rosy McEwen) vive su sexualidad en secreto, consciente de que es algo que le puede acarrear serios problemas en su trabajo. Por eso, no quiere ser ningún "ejemplo a seguir", no quiere cargarse con la responsabilidad de abrir camino a los que vienen detrás, sólo pretende vivir su vida a gusto con su condición, sin sentirse una criminal simplemente por ser como es. Mientras tanto, la televisión, la radio y su círculo no hacen más que recordarle que alguien como ella no merece una vida tranquila. La sensibilidad y realidad con la que esta contada esta historia, no tan lejana sobre la homofobia institucionalizada, le ha valido a Blue Jean el Premio del Público de las Giornate degli autori de Venecia, los premios AAMMA Women in Focus y a la Mejor Película de la sección Historias Extraordinarias de Sevilla, y el Premio del Público en LesGaiCineMad.

El triángulo de la tristeza (17 de febrero)

El triángulo de la tristeza es una de las películas que más está dando que hablar después de hacerse con la Palma de Oro en Cannes. Este retrato despiadado y crudo de la alta sociedad, apunta sin ningún tipo de complejo los vicios y defectos del mundo de la moda, el lujo y el sistema capitalista. El danés Ruben Östlund, que ya se hizo con la máxima distinción de Cannes gracias a The Square, vuelve a triunfar con esta irónica fabula sobre la lucha de clases y las posiciones de poder.

Esta historia alcanza una incomodidad moral tan extrema como hilarante, que por momentos llega a ser escatológica. Modelos, influencers, señores de la guerra y, literalmente, "reyes de la mierda", se embarcan en un crucero de lujo en el que ejercen su despotismo impunemente, hasta que se cambian las tornas, pero sin que este proceso sea necesariamente esperanzador para la concepción en la que Östlund representa al ser humano en su relación con el poder.

Grand Paris (29 de marzo)

Una historia de extrarradio con tintes fantásticos, abonada a la comedia. El joven Martin Jauvat, que dirige, escribe y actúa, se sirve de una historia de aventuras al estilo Indiana Jones para desatascar la monotonía de dos chavales de periferia que sufren el aislamiento de las largas distancias. Rápida y divertida, Grand Paris se enmarca dentro de esas paranoias cómicas en las que todo ocurre en 24 horas al estilo Superfumados, en la que los personajes que vienen y van son cada cual más extraño y particular.

La mala familia (en 2023)

La primera película de Nacho A. Villar y Luis Rojo del colectivo BRBR, trata con mucho realismo y gusto estético este documental sobre el reencuentro de un grupo de pandilleros de Madrid, cuando uno de ellos logra un permiso para salir de la cárcel. La naturalidad y espontaneidad son el valor fundamental en esta película cuyos personajes son tan reales como sus historias. Todos ellos tienen en común cuentas pendientes con la justicia y a pesar del tiempo, siguen sin encontrar una salida a la condena de su vida.